中国画的组成部分还包括印章。它既可以用篆刻的形式，阐发画面的意境和画家的真切感受，又可以填补空白，使画面的整体美感增强。除刻姓名之外，印章上还可以刻上自己的格言、座右铭或有感而发的心绪，以及与特定画面相呼应的词语。这叫做闲章。不仅如此，印章还对画面的布局经营大有帮助，精心选择适当的位置，鲜艳的印不但和水墨交相辉映，而且它能起到平衡画面的作用。
篆刻的刀工特别讲究，它既是鉴定画家真迹的重要依据，又是一件完美的艺术欣赏品。
三、中国画的分科
历经数千年的发展，中国画大致分成三大科：人物、山水、花鸟。
人物画人物画的历史在中国绘画史上最为悠久，战国时已初具水平。晋、唐的数百年间，人物画成绩辉煌，做为当时画坛的主流，它真实反映了整个社会的政治、宗教以及人文景观。五代及两宋，人物画虽鼎盛不及以往，但仍有一定优势。元、明以降，它的地位才逐渐由山水、花鸟所代替，然而这一时期也不乏一些很有成就的画家。本世纪开始，在融合传统笔墨的基础上，人物画通过对西方写实方法的借鉴与运用，开创了全新的创作局面。
人物画的画法分为工笔和写意。线条是两者造型的主要手段。工笔人物画富有装饰意味，用笔工整仔细，色彩浓烈鲜丽。写意人物画韵味独特，墨色酣畅，用笔单练奔放。如东晋顾恺之的《女史箴卷图》，就运用工笔线描的表现手法，他运用的线描称为高古游丝描，人物刻画千姿百态，变化各异，如春蚕吐丝般轻柔、优美。
山水画山水画以描绘景观为主，包括高山大川般的自然景观及宫室舟车般的人文景观。山水画萌芽及早，可远溯到两汉三国时期，南北朝之后，它逐渐确立地位，成为独立画种。到唐代时，山水画进一步发展，“青绿”、“水墨”两种画法随之出现。宋代的山水画在真实描绘参观对象的同时，更注重对气韵理趣的发挥。元代山水画成就较高，大批造诣深厚的山水画家相继出现，例如，在元四大家的山水中，时代的风貌和各自的鲜明特色和谐共存。山水画也进入了当时画坛的主流。及至明、清对笔墨技法的追求成为这一时期山水画的主要特点，以董其昌为首的华亭派是其代表。进入20世纪，山水画的发展更为迅速，在传统之上达到了一个新的高峰。
山水画成为中国画最大的画科，是人们追求复归自然，向往最高境界人文精神的标志。中国山水画将意境作为灵魂，反对刻意求工和拘泥于对客观自然景物的逼真临摹。它采用散点透视，对布局构图的极度重视，以及画面展示气魄之雄壮是任何画种的风景画难以企及的。在造型上，它较为随意，笔墨技法最为丰富自然，要求非常严格。除了内勾线之外，皴、擦、点、染等多种手段也包括在内。
花鸟画画面主体多为花卉植物、翎毛、虫鱼、虎猿兔犬等。花鸟画盛于唐、宋，在历代画家实践创造的基础上，已经成为一门具有完整体系、精深技法、鲜明风格的独立画种。
从技法上来说，花鸟画可分为写意花鸟画和工笔花鸟画两大类。工巧色丽，笔韵高简、形神兼务，这是工笔花鸟画的基本要求。宋代的工笔花鸟画水平较高，当时一批宫廷画家，经常以珍禽瑞鸟、奇花异草为题材，创作出风格富丽，和谐统一的画种。他们注重写生，所画禽鸟花木细致生动，自成一派，在当时极有影响。在继承传统的同时，现代花鸟画展示了时代的新风貌。
造型概括，笔墨简练是写意花鸟的主要特点。大写意又称泼墨，这是用夸张的手法表达物象的形神。墨如泼出，笔势豪放。在技法上，大写意不求工细富丽，而是强调笔墨的表现力，使墨色和笔法的独特效果得到淋漓尽致的发挥，于元代作品中，这种情况十分常见。小写意则兼顾写和工，赋色绚丽，笔触生动流漓，画面上包含变化丰富的水晕墨章。一些文人作画多涉及书法的笔墨趣味，并以梅、兰、竹、菊来表达自己的情感。明清时，写意画发展迅速，例如，石涛、朱耷的作品均对后世产生了巨大的影响。
花鸟画家齐白石、潘天寿将大写意的传统继承下来并在现代发扬光大，形成各自鲜明的风格。
四、中国画的材料和工具
中国画的工具和材料众所周知，那就是笔、墨、纸、砚。
笔中国画笔种类繁多，通常把笔分成硬毫、软毫、兼毫三类。狼毫是硬毫的一种，它挺拔并富弹性，经常用来勾红，比如叶筋、衣纹、山水、兰竹等。羊毫偏软，是软毫的一种，笔性柔润，吸水十分饱满，多被用来着色渲染。在羊毫中掺入其他硬毫，就制成了兼毫，它软硬适中，勾染皆宣，有大白云、中白云、小白云等。
墨墨分两大类：油烟和松烟。油烟用桐油与胶制成，含胶较多；松烟直接以松取烟和胶制成，含胶较少。油烟黑而有光泽，一般用它作画，画时要现磨墨。墨行磨好后，可浓不可淡，浓了可以加水稀释，淡了影响作画效果。
纸纸分两类：宣纸和皮纸。水的渗透力可以区分生宣和熟宣。渗透力强的生宣用来作写意画，皮纸或高丽纸亦可，这是因为它们可以达到水晕墨章的变化效果；熟宣的纸多用作工笔画，因为他们便于勾勒和反复涂染。
砚因为石材细腻，不吸水。
五、中国画的用笔与用墨
笔、墨的使用为中国画的基础，中国画有如下几种用笔方法：
中锋与侧锋中锋，执笔端正，笔杆与纸成垂直状，线条稳定、圆浑、厚重之感。线条全因运笔的轻重、转折、顿挫而生产各种丰富的变化。侧锋要求手腕的转动使笔成一定的角度，这样产生的墨线粗犷、毛糙、有时会出现一边光、一边毛的现象，有时飞白变化则会顺着笔势而生成。
顺锋和逆锋顺锋要求笔头在纸上顺着执笔方向，在纸上从左至右运行，这样形成的线条挺拔而柔顺。逆锋则要求笔头如犁破工般地倒逆行于纸上。这样形成的线条毛糙多变。
皴、擦皴、擦是用来表现物体纹理的质感，具体做法是在勾勒轮廓中加一些短线。皴用干笔或湿笔皆可，擦则只能用干笔。先皴后擦或皴擦并行皆可。由于要刻画它的纹理凹凸，因此一般山水画中石头、树木、水的绘制过程中，阴阳向背的形状较多使用。
点笔尖在纸上的骤起骤落叫做点。中锋、侧锋、逆锋都可以画出点。点会因下笔的轻重骤散而产生无穷的变化，如含润若滴、细如纤尘、粗同坠石等。
中国画讲究用墨。古人常说“五墨”、“六彩”，即指此。在用墨方面，有变墨、泼墨、积墨、蘸墨以及破墨、飞墨等方法。而所谓“六彩”是指黑、白、干、湿、浓、淡。不分黑白，则无阴阳明暗；不备干湿，则无苍翠秀润；不辨浓淡，则无凹凸远近。因此，山、石、树木如落入画，六彩无一可缺。
积墨法积墨法用于山水画中，它是用水墨或浓或淡，层层积染而成的。
泼墨法泼墨法专门用来表现大写意，它是与勾勒结合，用墨块痛快淋漓地洒泼。
破墨法破墨是指在墨色未干时，用浓墨、淡墨、清水或颜色加以冲化。
蘸墨法即在下笔之前，将饱含墨的笔蘸上一点浓墨，经它稍许渗化后，一笔下去，这样就会产生浓淡的不同变化。相反，如果在下笔之前，用含浓墨的笔尖蘸一点清水，也能达到同样的效果。
重视物体的固有色的明度变化，是中国画用色的一大特点。另外，中国画的用色亦看重色的对比调和，并经常使用强烈的对比色彩，来达到调和的效果。同时，善用变色，追求装饰趣味，讲究墨色交融。
着色主要有如下方法：
涂即为平涂。
染既可以是不同色明度的渲染，也可以是不同颜色的接染。例如，染的方法可以实现花瓣的浓淡变化。
罩从一种颜色罩上另一种颜色。例如：在浅绛山水中，花青、赭石罩在墨色上。
托即为在宣纸或绢的反面上色。
经过历代画家的长期创作实践，不论在用笔，用墨还是用色方面，中国画均积累了非常丰富的理论及技法经验。对于笔墨的使用，全因画家的迥异个性而产生不同，画笔所到之处留下的是画家情感活动的痕迹，因此用笔无定法，“神采生不用笔”就不难于了解了。笔法的基本要求平淡天真、不露锋芒、简率蕴藉、道劲温和、秀丽脱化、浑融渊穆等特点。欣赏中国画时，对画面的笔势仔细地观察欣赏是重点所在。优秀的笔法纵横飞走，富于神气活力；拙劣的笔法则僵化死板。优秀的笔法是苍老浑厚的，拙劣的笔法是污浊邋遢的；优秀的笔法是雄劲有力的，拙劣的笔法是软弱无力的。
六、现代中国画家及其作品介绍
中国画演进时间长，有四、五千年的漫长历史，孕育的名家不计其数，风格更是变化多样。我们的欣赏材料以现代画家为主，并向教师提供画家生平及绘画风格的资料，为的就是希望通过教师的讲解，使低幼中小学生尽早接触到祖国的文化瑰宝。
齐白石
20世纪的中国画坛，似乎任何画家的影响都不能超过齐白石。有人如此评价：“齐白石的绘画，传统中国从他的笔墨意趣中表现出来，现代中国包蕴在他的绘画形式中，20世纪世界性的贡献则隐藏在他绘画艺术整体的思想之中。”作为书画家，齐白石在中国艺坛上知名度最高，这一点似乎毋庸置疑。他十分智慧，敏捷地从现实生活中取素材，用纯朴干净的童心看待世界，表现了浓郁的乡土生活气息。“雅俗共赏”是他作品的特点，他也因此胜过任何同时代的画家。
齐白石（1863～1957），生于湖南湘潭。名璜，字渭清，号濒生，别号白石山人。阿芝是他的小名。他家世代务农，家境清贫，齐白石小时候念书不到一年，便辍学归农，因此只能于劳动间隙练字、读书、习画。青少年时代，对乡土风物，齐白石有深切的感情，他看惯了院子里的小鸡，溪流里的鱼虾，草间的蚂蚱及河边的青蛙。他仔细观察、揣摩，试图抓住每一种动物和植物的生态和性格，为此他苦学苦练。有两件事对齐白石的一生起到了决定性的影响。一是15岁时，他开始学雕花木工，因其描绘、雕花的技艺精湛，被称为“芝木匠”。二是27岁时他拜胡沁园、陈少藩为师，此后逐步走上了自己的艺术探索道路。可以说，无论在技艺上，还是在学问上，40岁以前的齐白石都受着时空的限制，最多也只能算是一个手艺高超的画工。40岁之后，在朋友的再三催促下，齐白石曾先后五次离乡远行，广交朋友，远行和交友既领略了祖国山河的无限风光，又受到许多饱学之士的启发。凭借自身的禀赋与勤奋，日积月累，齐白石的画由稚嫩而趋于老辣道劲；在懂画的人的细心指导下，又使齐白石的艺术甩掉“旁门左道”的称号而最终臻于最高的画道。60岁以后，齐白石正式寓居北京，以篆刻、卖画为生。这时，陈师曾对他影响很大。齐白石在《自传》中写道：“我那时的画，学的是八大山人冷逸的一路，不为北京人所喜爱，除陈师曾之外，懂我画的人，简直是绝无仅有……师曾劝我自出新意，变通画法。我听了他话，自创红花墨叶一派。”他以极大的决心闭门谢客，潜心研究，实践摸索适应自己天赋、气质和修养的艺术道路。他自己有两句诗：“扫除风格总难能，十载关门始变更。”反映了齐白石的“衰年变法”的神奇历程。在漫长的十年中，他改变了临摹原作的方式，而是力图通过对原作笔墨、构图、色彩等的仔细玩味体悟，用重点突出，概括力强，力求精练的手法进行新的创造。在这一过程中，齐白石并不忌讳对作品进行大胆删减，为达到“扫除凡格，自与一家”的目的，付出了极大的精力和代价。可以这么说，没有这十载闭门的艺术实践与探索，齐白石不会取得今天的巨大成就。
65岁左右，即衰年变法之后，齐白石在艺术上已高度成熟。他最为动人、精彩的作品大部分创作于他生命的最后30年间。心理学认为，人的第二个童年时期会在60岁以后出现，如果能有意识地将这一转变接受下来，它会将人引向新的更高的起点。在此时期，人的生理因素，人的精神因素更能显示出生命力和价值。虽然把握新的外部世界的能力已经衰退，但是老人也拥有自己特殊的能力，他能够内视、回忆、咀嚼自己曾有过的生活，在内心里重新经历一遍生命的历程，将那些焕发过生命意义的东西用智慧和爱的光辉重新照亮。“衰年变法”之后，齐白石作品的一个突出的特点，就是反复描绘他对童年和家乡的回忆。从他晚年作品中，我们的确可以看出白石老人的一颗童心。
自古以来，中国传统绘画创作群体就分为文人画家和职业画家，对职业画家来说，绘画为其谋生的手段，因此，他们的创作必须迎合雇主或买主的品味；文人画家则不求娱人，只以自娱，这就使得传统文人画题材而限于林泉高致，梅兰菊之类，以表征其清高脱俗的意绪心怀。在齐白石的创作中，自然少不了这些方面的题材内容。然而，基本的取材范围，又完全背离传统文人的情调。他曾说过：“余日来所画，皆少时亲手所为、新目所见之物，自笑大翻陈案。”这很清楚地说明，他的绘画内容不仅表现了他的真实生活体验，而且是“少时”以中小学生的纯真之心、纯真之眼所见之物的真实写照。从他选取入画的题材来看，确是如此，例如大白菜、红辣椒、稻黍、荸荠、莲蓬、蚱蜢、知了、青蛙、虾、鱼等等。均难见于传统绘画之中，他将这些形象描绘入画，使得一股清新的气息展现而出，扑人眉宇。
