一、西洋画概述
对西方绘画体系总的称谓即西洋画，它指的是以欧洲为中心，从古希腊、古罗马发展起来的，以油画为主要代表的绘画体系。由于西洋画在人类发展史上以其独特的魅力为人类文化宝库增添着瑰丽的色彩，使其在世界艺术史上有着重要的地位。
二、西洋画的主要画种类型
西方绘画历史的阐述，一般自旧石器时代的洞穴壁画开始。西洋画的发展演变过程是从原始壁画到架上绘画，再到不拘一格的各种现代派绘画。这种演变也展现了走向成熟、从附属的装饰走向独特的艺术创作，客观地从描绘物象走向强调艺术的主观表现。
从发展进程看，西洋画包括了壁画、油画、素描、粉笔画、水彩画、水粉画等各种类型，其中油画艺术因其影响最大而最具代表性。
壁画
附着于洞穴岩石、山崖、建筑壁面等处的壁画是西方艺术中最早的独立绘画形式。在欧洲的西班牙、法国、意大利等地发现的原始洞穴壁画中，西班牙的阿尔塔米拉洞穴壁画和法国南部的拉斯科洞穴壁画是最古老和著名的。这些洞穴壁画的题材鲜见植物形象，多以动物为主，也有不多的人形，这在一定程度上是原始人的生活形态及其意识形态萌生时期某些特征的反映。
建筑壁画是由建筑文明的发展所推动的装饰于建筑壁面的美术形式。文艺复兴时期是美术发展史上涌现很多优秀作品与壁画家的西方壁画史上最辉煌的时代，达·芬奇、米开朗基罗、拉斐尔等著名艺术大师都是这一时期壁画艺术的重要代表，他们被称为意大利文艺复兴三杰。典雅的达·芬奇，雄健的米开朗基罗，秀美的拉斐尔，是这三位伟大画家各自特有的风格特征。由他们及其他大师对形式法则和表现风格的奠定，对后世的绘画发展产生了久远影响。
油画
油画是世界绘画艺术中最有影响的画种，是西方绘画传统中最为重要的组成部分。油画的基本特点是：
在工具材料上，用油质颜料在布、木板或厚纸板上做画而成，它专长于通过色彩、线条、形体、调子、明暗、空间感、质感、量感等造型因素真实生动地描绘周围世界的具有很强艺术表现力的视觉印象。而且，由于油画颜料具有较强覆盖力易于修改的特性，为画家提供了便利的艺术创作条件。
传统的油画画家通常采用静态观察，对景写生的表现方法作画。他们与中国画家在作画时的不同表现在特定的时间、地点、距离和角度上描写视野之内的事物。即便对于某种想像和虚构的题材的创作，画家也尽可能使对象的形、线、光、色等符合客观真实状态而设想他站在一个固定的位置上。焦点透视是指画面上只能有一个焦点，不能随意移动的典型的油画表现。借助于这种又被称为几何透视法的焦点透视方法，油画通过表现出对对象的纵、横、高三维空间的立体效果来增强形象的表现力。这点多见于古典油画作品。
油画不同于中国画，画面留有大小不同的空白和讲究诗、书、画、印的结合，在画面构成上，它讲究画面景物充实，按自然的秩序布满画面，以呈现出自然的真实境界。画面通常以单纯的人物或景物来描述生动的故事。通常是画面上的画底全部涂满，不留空白，然后用透视法画出真实而具体的世界一域。
西方传统油画讲究在科学、理性、进取精神的指导下逼真的模仿。画家们通过如数学、解剖学、透视学、色彩学等的科学成就的引进来帮助艺术形象的真实塑造。艺术题材以人为中心强调人对自然的主宰地位，通过对酷似生活形象的人物的动作、姿态、表情的描绘来表达客观物象。直至将表现激情作为绘画主题的19世纪浪漫主义画派的出现。追求主观化的客观是印象主义画派追求的目标，致力于自我的表现是继印象主义之后的又一画派。
素描
素描是主要描绘方式为线和线构成的明暗色调变化为主的单色画。素描在西方绘画传统观念中被认为是一切造型艺术的基础，也是训练造型能力的基本手段。
素描除铅笔或炭笔外，钢笔、毛笔、色粉笔、金属笔等多种广泛的工具来作画。
达·芬奇、米开朗基罗、拉斐尔等文艺复兴的“三杰”都曾留下众多精彩的素描作品，被堪称为素描画的经典作品的是达·芬奇在生命的最后一段时间创作的粉笔素描《自画像》。此外，被作为人类艺术珍宝，有着深刻表现力与强烈个性的素描作品的大师有丢勒、伦勃朗、安格尔、列宾、毕加索等。
粉笔画
粉笔画又叫做粉画、色粉画。
粉笔画一般通过画于色彩附着力较强的纸上，表现丰富的色彩效果。有的画家由于纸的本色可直接成为画面色彩的一部分而喜欢用彩色纸作画。
粉笔画流行于16世纪的意大利画家中，后推广至欧洲各国。许多著名的画家，如法国的夏尔丹、印象派画家马奈、德加等的画作中都充分展现了粉笔画的艺术效果，尤其是典型代表印象派重要成员之一的德加的创作作品《舞台上的舞女》，以其华丽的粉笔画在欧洲画坛形成影响。
水彩画
由水调和水彩颜料作画的画种叫水彩画。
约产生于15世纪末的欧洲的水彩画，18世纪以后在英国形成独立。英国著名的水彩画家有吉尔丁泰、康斯太勃尔，美国的著名水彩画家有萨金特等。
水彩颜料以掺入水分的多少来控制色彩透明度、浓淡和干湿的变化，通过利用白纸和颜料的掩映渗融作用，体现明快、概括、轻盈、滋润的艺术效果。
水彩画以“水”入画，尤其在表现雾气弥漫、光影变幻的自然风光时独具特色，能通过水墨淋漓准确表现物体形象的色彩丰富的特点。
水粉画
以水调和粉质颜料作画的画种是水粉画。由于它介于水彩画和油画之间，在某种程度上融合着油画和水彩画表现的某些特长。它可以掺入较多的水而使画面变得如水彩画一般透明，也可以控制较少的水分，由粉质颜料的不透明造成油画一般滋润厚实的表现效果。
水粉画之所以能够形成亮丽的、简练的画法和表现效果，是因为它倾向于比较概括的手法来表现色彩。
水粉画运用广泛，人们既可以用它来创作独立的作品，又可以将之运用于招贴画创作、舞台美术、工艺美术图案等设计领域。
三、西方古典绘画的审美特色
相对于西方现代画派而言，西方古典绘画具备自己的独特的审美特征。西方独特的民族土壤，文化传统和审美趣味孕育了这样的审美特征，这些因素也使得西方绘画与中国绘画产生了明显的不同。
对理性的崇尚，对形式的崇拜
西方文化的开端是希腊文明和基督教文明，西方绘画崇尚理性，追求秩序的特征蕴藏在这两种文明之中，并以崇尚理性、崇尚形式等手法表现在诸如审美心理、审美理想和价值取向等方面。
希腊人将形式（即理式）做为美学价值的核心概念，亚里士多德眼中的美是“秩序、匀称和明确”，而这在柏拉图那里则以“理性”展示出来。古典绘画在这种哲学、美学基础上，加入了数学和几何学的比例和数的概念，它不但用严格的比例与和谐来制作图画的形象，而且在这种形象中有着他们对宇宙秩序的体悟。
传统的文本理论认为一切都是有秩序的，古典绘画也不例外。因此，一种近似乎几何美的、均衡的画面构成方式，清晰的色彩层次及相对一致的节奏和调子是古典绘画所追求的。要做到这一点，理性节制不可或缺。
讲求形式的完整也是古典绘画的目标之一。高度表态的美学观反映在其中，这种美学观认为一件作品是完整、独立，不可变更的。（现代艺术家或许会有疑问：一件作品必定是完整、不可变更的吗？）无论是古代埃及肃穆的雕像和宗教艺术的壁画，还是巴洛克的艺术形象和米勒笔下静穆的形象，一种永恒的精神需要常常在古典绘画中体验出来。古典画家很少将一个立像的脚安排在画面的以外，他们所描绘主体的自身特征及完整性并认为对主体来说，大的外形、大的结构和大的动势较之细节更为重要。
古典绘画同样尊重秩序。结构线是古典绘画中表达秩序感的最简洁的线形，这些线形还包括S线、水平线、折线、弧线等。这些线可以像人体的边缘线那样明显，也可以像色彩浓淡形成感觉的隐藏起来，为增强舒适感，画面中有时也会结合主旋律安排一些插曲，来产生共鸣，就像古典音乐里的旋律那样。
古典绘画的秩序同样先后有别，主次有分，这在一件古典造型作品中是很明显的，画家可以通过调子来分清这种主次关系，使观者能够有序地进行观看，先注意画家意在彰显的地方，再者其他部分，要做到这些，画家就要运用光的明暗和强弱效果来表现画面中的主要部分和次要部分，例如，在古典肖像中，头部常常最亮，手、衣服和旁边的道具的亮度依次减弱。一张富于故事情节的画就如一幅舞台剧照，光扮演了类似于聚光灯、散光灯的角色。
再现的重要，写实的重要
西方古典绘画的另一种重要特征是强调再现与写实的重要，这是建立在崇尚理解及不甘落后的审美价值取向之上的。
西方自荷马、亚里士多德以来，对现实的模仿被认为是艺术的最大价值，这一再现主义理论一直存在于古典绘画中，整个西方古典艺术发展过程之中，也贯穿着这种写实主义的再现方式，古希腊的雕塑之所以达到人类艺术的顶峰，成为西方古典艺术的典范，是因为它再现了生活里最美的形象。罗马人虽是学习古希腊艺术，但其写实精神有过之而无不及。文艺复兴时期及其后的很长一段时间里，西方绘画仍普遍忠于着写实的传统。文艺复兴时期，艺术家不但解决了绘画透视问题，而且对人体进行了解剖研究，这都为写实主义的进一步发展提供了必要条件。达·芬奇认为艺术要通过真实反映自然来创造“第二自然”。像镜子那样，直到19世纪，浪漫主义美术运动兴起，它强烈要求打破现有的观念，提倡在艺术作品中展现艺术家的个性和意图。虽然浪漫主义主张艺术家在作品中突出个人激情和自由精神，并将自己认为的生活的样子表现在作品中，但它的表现手段依然是具象直观，以现实中的写实形象为基础。
受自然科学的影响，西方绘画讲究比例，分别表现在人物造型上。为突出绘画的质感和真实感，也为了对人物和自然物体的描绘达到客观真实，西方古典绘画依据再现原理，注重画面中点、线、面、以主的组合形式，尤其是以面为主的组合形式。同风景画和静物画一样，在人物画中，通过对人体各组成成分的了解，艺术家高度真实，细致入微的刻画头、躯干、肢体的不同特征，骨骼的形状，肌肉的起伏，毛发的走向等。
文艺复兴之前，西方画家在二度平面上描摹对象，到了文艺复兴的时候，绘画的三度空间出现，增加的这一维使视觉的真实性大大加强，透视线由此而来，它指的是在一个视点上看出描绘景物各部分的相应位置与相互关联，这些构成了三维空间。
特殊的绘画语言和绘画技法
在较长的演变过程中，西方古典绘画创造了一套特殊的绘画语言与技巧。这些语言与技巧构成了西方艺术审美特征中的重要一部分。
关于构图，古典绘画要求画家按照艺术法则，将诸如人物、景物、空间色彩、光线等一切造型的素材表现在一个画面上，并通过这一画面展示特定的主题思想。将这些元素有机统一的结合起来，画家就完成了自己的构图工作。古典绘画观认为这种按各种绘画因素心理的、造型的、色彩的关系确定的安排是经过调整和规范的，因此是细致、完整和丰富的。
均衡是古典作品最为常见的构图因素。一幅画是一具封闭着的，具有自身内在统一性的世界，古典画家常常这样认为。因为，维持多样统一，保持对画面均衡即避免让画面一边轻、一边重，又防止其两边完全相等，就显得非常重要。没有均衡的作品的整体感也不复存在。有时候，很小的黑色暗块可与大块灰色色块达到平衡；如音乐引起的回声一样，某一部分色块色彩鲜明，另一部分就需要与它对应起来。不这样的话，这个孤立、偶然的色块就会破坏均衡。
从造型来说，西方古典绘画致力于以光线明暗来表现物体，以色来区分物体间的差别，用色块将形体、层次，近景与远景表达出来，因此，要掌握它的主要造型方法，必须掌握光、色的运用及色度、色性的使用。
从设色来说，因为它主要参与构图与造型，所以西方古典绘画十分注重设色，并在这个方面形成了完整的画法与技巧。西方古典绘画作品，能够于复杂的色调之中，将物体的细微之处真实地表现出来。在这当中，怎样设色，怎样处理光的投射以及怎样通过色与色，光与光之间的协调一致达到画面的和谐完整且不失个性，就成了西方古典绘画艺术创作中聚焦之处。
四、现代派绘画的艺术特点
作为存在于我们心中的厚厚的文化内核，“古典”一词立体地、全方位的包含了人类前半程的文化，它是为过去生活的人们提供希望，欢乐和慰藉的源泉。与之相反，现代派则与现代工业文明的社会文化紧密相连，并被视作“现代”社会应有的一种文化现象。
谈到现代派艺术，许多人脑中就会浮现出一种怪诞难懂的形象，有些人甚至将现代派艺术定性为离奇丑陋的东西，这些人完全误解了西方现代艺术。实际上，现代派美术在世间范围有着惊人、持续和广泛的影响。20年来，现代艺术在欧美渐趋没落，可在中国却发展迅猛，势头强劲。正因为如此，我们如今视作“太现代”“难以接受”的东西，在西方早已跻身“古典”的行列。
简而言之，现代派绘画有如下几个艺术特点：
流派纷繁，风格多样
作为一艺术现象上的大潮流，现代派艺术可被视作20世纪以来一个时代艺术实践的象征。它由许多个性强烈的艺术家和艺术流派组成，并涉及到哲学、文学、美术、音乐、戏剧、舞蹈等诸多领域。虽然现代艺术各学科门派之间互相竞争又互相合作，他们之间的共同目标却是一致的：即与传统做彻底的告别和决裂，创建属于20世纪人类的新文化传统。
