对这一问题的探讨，曾困扰了几个世纪无数智者、学者和专家、研究家的思索，其观点看法又是如此的大相径庭。直至今天，这种争论仍在继续之中。有一种说法，认为古希腊的裸体艺术源于原始社会的裸体风俗。农业社会之前的原始人，对男女外生殖器的表达较为突出。如太平洋诸岛、南洋群岛和非洲的原始人，都刻意装饰和显示自己的外生殖器。这种以性为主的裸体美，是由于原始人把性看作大自然赐物，生命与欢乐的源泉。在欧洲，早在旧石器时代的“奥瑞纳”文化里，就出现了法国鲁塞尔洞的浮雕裸女和奥地利委连多尔夫的圆雕裸女。这些作品都夸张女性的乳房，这是同原始生产力落后、人们渴望生产力旺盛离不开的。在古埃及的壁画和雕刻作品中，对裸体有了进一步的刻画。到了古希腊罗马时代，裸体艺术则达到了一个高潮，如著名的断臂维纳斯雕塑就是其中的一个杰作。
古往今来，大多数人认为古希腊人雕塑采取裸体的形式，和当时战争的频繁与体育的盛行紧密相关。大约在3000年前，爱琴海一带出现了无数城邦，由于各个城邦都想占有其他城邦，因此当时的公民只有两个职责，就是公共事务和战争。为了培养懂政治、会打仗的公民，就出现了一种特殊的教育。著名哲学家柏拉图的《对话录》、丹纳的《艺术哲学》都说：那时战争全凭肉搏，因此每个士兵都得锻炼好身体，愈强壮愈矫健愈好。青年人大半时间都在练身场上角斗、跳跃、拳击、赛跑、掷铁饼，把赤裸的肌肉练得又强壮又柔软；目的是要练成一个最结实、最轻灵、最健美的身体，而没有一种教育在这方面做得比希腊教育更成功的了。这便是希腊的特殊教育。战争带来了体育的盛行，古希腊是一个体育大出风头的时代。当时，几乎没有一个自由民不经过练身场的训练，而运动不高明的人，则被人看不起。希腊人的孩子从会走路开始，就要接受体育训练。那时的体育教师才是真正的健美专家，训练出了一大批体格健美的青年人，也培养了一大批合格的模特儿。当时的艺术家大多兼体育教师，如喜剧家阿里斯托芬等人。古希腊各个城邦每逢节日，都要举行体育竞赛，从中挑选出最有气力、身手最敏捷的青年。在当时运动会上，人们并不以裸体为耻，青年男女为了显示自己健美的体魄，常常把衣服脱光。斯巴达的女青年参加运动会，也常常是全裸的。古希腊历史学家普鲁塔克曾记述当时少女们裸体参加运动会的情景说：“尽管少女们确乎是这样公开地赤身裸体，却绝感不到有什么不正当的地方，这一切的运动都充满嬉戏之情，并没有任何的春情或者淫荡。”另一位美术史学家阿尔巴托夫也说过：“无论在希腊人之前或希腊之后，人们再也不能那样单纯无邪地去看待裸体了。”对于运动会上的优胜者，人们都报以雷鸣般的掌声，姑娘会向他献上鲜花桂冠，诗人为他作诗，雕塑家为他塑像。
罗丹还说道：“希腊人这种特有的风气产生了特殊的观念。在他们眼中，理想的人物不是善于思索的头脑或者说感觉敏锐的心灵，而是血统好、发育好、比例匀称、身手矫健、擅长各种运动的裸体”。基于这种思想，裸体雕塑自然地成了当时的艺术主流。从艺术规律来看，雕塑为三维空间艺术，有实感，最能表现力量。而那些运动场上的优胜者和美丽的肌体都可成为雕刻家最理想的模特儿。
世界驰名的学者美国伯恩斯教授、拉尔夫教授在其力作《世界文明史》中说：“希腊艺术所表达的是什么？总而言之，它是把人文主义象征化——即是把人视为宇宙中最重要的造物而加以赞美。尽管许多雕刻描绘神，但这一点也不减损人文主义的本质。希腊人的神是为着人的利益而存在，所以他赞美神也就是赞美自己。建筑和雕刻二者都是把平衡、和谐、秩序和中庸的思想具体化。”在他们看来希腊的裸体艺术和他们的审美观念有关，表现人体的美术作品具有特殊的审美价值。人乃万物之灵长，造化之极点，具有特殊的魅力。在古希腊人的观念里，万物之中，数人最美，所以在竞技场中会出现欢呼雀跃的裸体群。”健全的精神寓于健康的身体”，这是他们信奉的一句至理名言。然而，从总体上来说，希腊雕塑的裸体，和战争、体育以及审美都是有联系的。希腊的人体雕塑主要是希腊现实生活反映，可归咎于社会原因：军事海盗式争夺、相适应的体育运动裸体竞技、久而久之所形成的特殊审美观念。当审美观念一经形成，往往会逐渐离开了原来的实用目的，而具有相对独立的审美意义。于是，裸体雕塑就大量地出现了。
近几年来，我国学者对上述观点提出了挑战，主要表现在：潘绥铭等人以为希腊裸体雕塑是当时性快乐主义风尚的产物。他写道：“人类的裸体有三种性的特性。第一性征是男女外生殖器的不同形状，是由动物继承而来。第二性征是男女体型和体表的不同，主要有乳、臀、阴毛、肤质和身体结构的差异，是从猿到人进化中由供养制度造成。第三性征是两性的心理、气质、风度和行为的不同，是社会文化的产物。这三种性征相应构成性吸引与性审美的三个层次：生理的、心理的和习俗的。三者并非一个高于一个，而是由社会文化背景决定，按不同结构共同组合成不同形式。古代希腊罗马奠定了西方文化中裸体美的基本模式，并为我国当代艺术界接受。它既非源于裸体风俗，也非来自赤身体育活动，而是当时性快乐主义风尚的产物。它在保留第一性征的基础上，强调第二和第三性征。其主要表现原则有三：
1.不隐讳男女外生殖器。
2.身体结构的理想化，如女乳由肥大下垂变为圆锥形高耸，臀部由左右宽大变为前后突出等。
3.以动态和神态来表现第三性征，同时强化第一和第二性征。
这种裸体美的典型和极品，并非我国熟知的‘断臂维纳斯’，而是现存于罗马的阿芙罗蒂无头立像和跪像，以及爱神群像。”
神秘莫测的纳斯卡地画
在20世纪中叶，人类考古工作的一次重大发现，是在秘鲁伊卡省纳斯卡小镇。
考古队员们在这座荒凉的边陲小镇，发现了方圆百里的土地上，遍布纵横交错、形状各异的深沟，这些深沟显然是经过人工精心构造而成。
身居其中，看不出这些变幻莫测的沟寓意着什么。当考古队员坐上飞机在空中做一次观察时，顿时被眼前的情景惊呆了……
那些沟其实是一个个几何图形，一个个动物图案、植物图案。这些形象生动、错落有致的图案，构成一幅蔚为壮观的图画。
这庞大的地画使人一饱眼福。
这巧夺天工的纳斯卡地画，给科学家提出了新的课题：地画是用来做什么的？又是什么人创造的？
纳斯卡地画显然不是仅仅供人欣赏的，因为在几百年前，这里集居着印第安人，那个时期，他们还不具备条件到天上去欣赏自己的杰作。
一些科学家分析，纳斯卡地画很可能与当时印第安人的宗教练祭祀活动有关。从各种动物图形来看，似乎说明印第安人用此取悦天神，以求氏族得以繁衍生息。
而有些专家指出，纳斯卡地画是古时印第安人的天文日历，是用来帮助日常耕作、出行和生活的。
还有的研究人员甚至大胆地设想，纳斯卡地画是地球人有意为天外来客提供方便。
各种各样的推论、猜测，使本已神秘莫测的纳斯卡地画，更加让人不知所云了。
图腾起源于氏族标志吗
图腾是原始人群体的亲属、祖先、保护神的标志与象征。这是人类历史上最早的一种奇特的文化现象。社会生产力的低下和原始民族对自然的无知则是图腾产生的基础。求生与种族繁衍的共同欲望使得原始民族产生了自己的图腾。
在近现代一些民族中仍可找到以亲属称谓称呼图腾动物的遗迹，如我国东北的鄂伦春族称公熊为“祖父”，称母熊为“祖母”。原始人把某种动植物作为自己的亲属和祖先，有着各种原因。首先，猛兽的侵袭使原始人感到恐惧，为了安全，他们采取认亲的办法，以求获得保护。其次，当某物有功于人，人们对其产生感激之情，便认其为亲属或祖先，以求永远保护自己。三是原始人选某动物或物象为图腾，是惊叹其特殊的本领或仰慕大自然的伟力，希望自己也获得这种本领或伟力，以利于生存和安全。四是原始人把一些动植物崇奉为图腾来祭祀，是由于认为它们与氏族繁衍有关。
图腾起源是民族学中最困难的一个问题。20世纪下半叶全球掀起的寻根热，使图腾起源问题又成为各国学者感兴趣的问题。各国学者提出多种有关图腾起源的理论。
法国社会学家提出象征论。认为氏族需要一个标志作为联系的中心，而氏族本身不具备这种功能，因而借用某种动植物作为自己的标志和象征。由于原始人发生感情上的混淆，遂把氏族与标志混为一体，于是某种动植物便被视为该氏族的亲属、祖先和保护神。
英国学者提出名目论。推测狐氏族因其祖先的体型或性格像狐而得此称，其后代就被称为狐的儿女。年深日久，名称的起源被遗忘，后代误以为自己的祖先是真正的狐，遂形成狐氏族，并产生相应的图腾。
奥地利心理学家提出“恋母情结”说。此说认为，最初家庭是由一个成年男性和几个妻子及一些孩子组成的。由于男孩对母亲怀着一种性的欲望，便认父亲为情敌，但又因父亲的养育之恩而应尽爱父亲的义务。于是，在男孩的情感中形成了“爱恶的混合”，他开始寻找一种作为父亲的“替代物”的动物来发泄他的敌意和恐惧。男孩长大后，因迷恋母亲而被“吃醋的”父亲以暴力赶出家庭。被驱逐的兄弟们聚集在一起，杀害并吞食了他们的父亲。兄弟们既恨又爱自己的父亲，杀父后他们满足了心理上的恨，同时也产生了追悔莫及的罪恶感。于是，亡父被形容得比生前更伟大。他们禁止杀食曾作为父亲替身的动物，以示忏悔。后来这种动物便成为图腾，并产生不准杀食图腾的禁忌。
有一位英国学者提出妊娠说。指出，原始人不明白婴儿诞生的原因，他们以为妊娠是婴儿魂进入妇女体内所致，进入的时间是在母亲感到腹中有胎儿时。为了解释这种妊娠事实，原始时代的妇女自然地把胎儿在子宫中的活动与某种令人吃惊的一闪即逝的神秘物象混在一起，后来这种物象便成为图腾，并受到崇拜。
还有英国学者倡导转嫁论。该理论指出，原始人把人类社会结构和血亲关系转嫁到自然界的生物与非生物之中，误认为自然界类似人类社会，也被划分为许多群体和社会，人类群体与某种动植物存在亲属关系。
换言之，这一动物或植物也就成为某一人类群体的图腾。
荷兰学者则提出灵魂论。这种理论认为，原始人信奉灵魂轮回，人死后灵魂会进入某种动物体内继续生存，这种动物便成为死者亲属的亲族、祖先和图腾，并受到崇拜。
迄今为止，尽管有关图腾起源的理论达几十种之多，但尚无定论。因此，图腾起源问题仍需国内外学者继续研究和探讨。
凡·高的《向日葵》是假画吗
1997年10月26日英国《星期日泰晤士报》发表一篇文章声称：拍卖价高达3950万美元的凡·高的一幅油画《向日葵》很可能是赝品。这家报纸披露说：这是英国鉴赏家诺曼在经过长达一年之久的调查分析之后得出的结论。诺曼“几乎肯定”这幅被认为是凡·高的作品《向日葵》是伪造的。
凡·高（1853～1890年）是荷兰画家。年轻时在荷兰的一家画店里当过职员，凭他的聪明好学，勤奋苦练，无师自通地成为当地一个小有名气的画家。后来，为图发展，他来到了被世人称之为艺术殿堂的巴黎，结交了一些“印象派”画家。”印象派”油画在色彩方面的独特创新给他留下了深刻的印象。但与此同时，他更欣赏东方艺术中线条的表现力，他特别喜欢日本画家葛饰北斋的“浮世绘”。他把“印象派”的色彩与东方艺术中线条的表现力融会贯通，自成一家，被人们称为“后期印象派”画家。但凡·高是一个对受苦的下层人民深怀热爱之情，对资本主义现实社会深感悲愤的人道主义画家，他的生命十分短暂，只活了37岁，而全部杰出的、富有独创性的伟大的作品都是在他生命最后的五六年中完成的。他的早期作品，情调低沉，如《吃土豆的人们》等，而他晚期作品如《向日葵》等则表现了他对自然和生命的热爱和细腻的情感，他用变化丰富的黄颜色和有力的笔触，表现出花朵飞动的神态和秋天成熟了的葵花子的饱满结实的质感，淡蓝色的背景与黄花相衬，成为他的代表作。
向日葵的象征意义是显而易见的。所以，凡·高画过多幅油画《向日葵》，以寄托他的情感。
凡·高一生共画过多少幅油画《向日葵》呢？据不确切的统计，大约共有6幅。凡·高最早画过4幅油画《向日葵》，其中一幅画面上只有3朵向日葵，另外一幅画面中向日葵为5朵，再有两幅画面中的向日葵分别是12朵和14朵。其中有14朵向日葵的那幅画作于1888年，也就是曾经被认作凡·高所作并拍得3950万美元的那一幅油画《向日葵》。
凡·高有一位好友，就是享誉法国画坛的法国印象派画家高更（1848～1903年），向凡·高索画。凡·高便将画有12朵向日葵的画和画有14朵向日葵的画送给了高更，高更十分高兴，爱不释手。凡·高见高更喜欢，便索性又画了两幅《向日葵》送给高更。至此，凡·高画《向日葵》油画作品应该有6幅之多了。这个数字完全符合凡·高的书信中所谈到过的共有6幅《向日葵》这个数字。
1901年，在法国巴黎的一个画展上，突然展出了一幅署名为凡·高的油画《向日葵》，令人瞩目。而当时凡·高已谢世11载，拥有这幅作品的是他同时代的法国三流画家许费纳克。当时，并无人怀疑其是伪作。
1986年之后，也就是1987年，日本“安田保险公司”在一次拍卖会上见到了这幅凡·高名作《向日葵》，便以当时世界第一高价：3950万美元拍得了这幅稀世名作，成为震惊画坛一大新闻。出卖这幅画的主人是：切斯特·贝蒂家族。
然而，10年以后，英国人诺曼经过调查研究之后振聋发聩地指出：日本“安田保险公司”拍得的这幅凡·高名作，实乃赝品。赝品出自三流画家许费纳克之手。诺曼称，许费纳克因自己的画无人赏识、没人问津，为证明自己的水平，证明自身的价值，曾一度热衷于模仿名师名画，以假乱真，连绘画鉴赏家也无法识别。据诺曼称，许费纳克模仿过凡·高的画还不止这一幅。而这一幅《向日葵》正是第7幅《向日葵》，非凡·高所作。
有趣的是，诺曼的这一番怀疑，虽多家报纸转载报道，却不见现在这幅《向日葵》主人——日本“安田保险公司”有何反应。这不仅是因为“安田保险公司”本身对此说抱有怀疑，就连一般读者也怀有不同看法：证据不足。
